Pagina 2 — Dietro il suono: ARP Solina String Ensemble
Il sintetizzatore che non era un sintetizzatore
Quando si parla degli anni Settanta, si tende a ricordare soprattutto i grandi sintetizzatori: Minimoog, ARP Odyssey, EMS VCS3, Oberheim.
Eppure uno degli strumenti più importanti di quell’epoca non era affatto un sintetizzatore.
Era una String Machine.
La più famosa di tutte: la ARP Solina String Ensemble.
Un’orchestra dentro una tastiera
Per capire il successo della Solina bisogna ricordare il contesto storico.
Siamo nella prima metà degli anni Settanta.
I sintetizzatori esistono già, ma sono ancora costosi, complessi e spesso monofonici.
Se un tastierista voleva ottenere il suono di una sezione d’archi aveva davanti a sé tre possibilità:
- assumere una vera orchestra (impossibile per quasi tutti);
- utilizzare un Mellotron (costoso, delicato e poco affidabile);
- trovare una soluzione alternativa.
La Solina arrivò esattamente in quel vuoto.
Per la prima volta un musicista poteva premere un accordo completo e ottenere immediatamente un tappeto sonoro ampio, avvolgente e relativamente credibile.
Non era un’orchestra.
Ma suggeriva l’idea di un’orchestra.
E spesso era sufficiente.
Come funzionava
Dal punto di vista tecnico la Solina era una macchina ingegnosa.
Utilizzava una tecnologia chiamata divide-down.
Invece di generare separatamente ogni nota, produceva poche frequenze fondamentali che venivano poi suddivise elettronicamente lungo tutta l’estensione della tastiera.
Il risultato era straordinario per l’epoca:
polifonia completa.
Ogni tasto poteva essere premuto contemporaneamente agli altri.
Una caratteristica che i sintetizzatori dell’epoca potevano solo sognare.
Naturalmente il prezzo da pagare era una minore flessibilità timbrica.
La Solina non era stata progettata per creare migliaia di suoni diversi.
Ne faceva pochi.
Ma li faceva molto bene.
Dentro la Solina: cosa ci dice lo schema
Guardare lo schema tecnico della Solina è molto istruttivo, perché fa capire subito una cosa: la Solina non era un sintetizzatore nel senso classico del termine.
Non troviamo la logica tipica dei grandi synth analogici dell’epoca, con oscillatori indipendenti per ogni voce, filtri risonanti, inviluppi complessi, modulazioni profonde, VCF, VCA e tutto l’armamentario che associamo a Moog, ARP Odyssey o EMS.
La Solina era un’altra cosa.
Era una macchina molto più semplice, ma anche molto intelligente.
Il cuore dello strumento era un master oscillator, cioè un oscillatore principale, da cui venivano derivate le altre frequenze attraverso circuiti divisori. È la logica cosiddetta divide-down, simile a quella degli organi elettronici: invece di generare ogni nota separatamente, lo strumento produce alcune frequenze alte e poi le divide progressivamente per ottenere le ottave inferiori.
In pratica il suono esiste già, distribuito lungo tutta la tastiera. Il tasto non “crea” davvero la nota, ma apre una porta. Permette a quella frequenza di passare. Non a caso nello schema compaiono i key gates, cioè i circuiti che autorizzano o bloccano il passaggio del segnale.
Detta così sembra una cosa poco romantica. Ed effettivamente lo è.
Ma il risultato era straordinario.
La ARP Solina poteva suonare tutti i tasti contemporaneamente. Aveva una polifonia piena, cosa che molti sintetizzatori dell’epoca, ben più celebri e costosi, non potevano offrire. Un Minimoog era magnifico, certo, ma era monofonico. La Solina, invece, permetteva di premere un accordo intero e lasciarlo respirare.
Naturalmente c’era un prezzo da pagare.
Uno strumento costruito in questo modo non poteva offrire la flessibilità timbrica di un vero sintetizzatore sottrattivo. Non era pensato per scolpire suoni radicalmente diversi, né per creare bassi aggressivi, lead filtrati o effetti speciali da laboratorio spaziale. Faceva poche cose. Ma quelle poche cose le faceva con una personalità fortissima.
Un altro elemento interessante dello schema è la presenza dei circuiti di modulazione. Qui entra in gioco il vero segreto dello strumento: non tanto la generazione del suono, quanto il modo in cui quel suono veniva animato. Senza il circuito di ensemble, la Solina sarebbe stata probabilmente una specie di organo abbastanza noioso travestito da sezione d’archi. Con l’ensemble, invece, diventava quella nuvola sonora mobile, vibrante, leggermente instabile, che tutti associamo al suo timbro.
Lo schema mostra anche una sezione bassi e diverse aree funzionali: alimentazione, circuiti divisori, modulazione, controllo, uscite. Vista così, la Solina appare quasi austera. Pochi blocchi. Funzioni chiare. Nessuna pretesa di onnipotenza.
Eppure da quella architettura relativamente semplice usciva un suono enorme.
Questa è forse la lezione più bella.
Da ragazzo non conoscevo nulla di tutto questo. Non sapevo cosa fosse un circuito divide-down, non avevo idea di come funzionasse un key gate, e certamente non pensavo in termini di master oscillator o circuiti divisori.
Però sentivo il risultato.
E il risultato mi diceva una cosa molto precisa: non tutte le tastiere servono a suonare linee o accordi. Alcune servono a creare spazio.
Un Moog ti invita a inventare una linea melodica.
Un pianoforte ti costringe a confrontarti con armonia, gesto e tempo.
Una Solina ti suggerisce di costruire una texture.
Ed è probabilmente per questo che, guardando oggi quello schema tecnico, mi colpisce una specie di paradosso: dentro la Solina c’è poca retorica, poca complessità apparente, poca mitologia tecnologica.
Eppure musicalmente apriva un mondo.
Non era una macchina virtuosistica.
Era una macchina atmosferica.
E forse è proprio per questo che, cinquant’anni dopo, continuiamo ancora a parlarne.
Il segreto: l’ensemble
Il vero miracolo della Solina non era però la generazione del suono.
Era l’effetto Ensemble.
Ancora oggi molti musicisti lo considerano uno degli effetti più belli mai realizzati.
Il principio era relativamente semplice.
Il segnale veniva sdoppiato e modulato attraverso più linee di ritardo leggermente diverse tra loro.
Il risultato era un continuo movimento interno.
Nessuna nota rimaneva davvero ferma.
Tutto respirava.
Tutto oscillava.
Tutto sembrava vivo.
È questo effetto che trasforma un semplice accordo in quella nube sonora ampia e cinematografica che ha reso celebre la ARP Solina.
Perché piaceva tanto ai musicisti progressive
La Solina arrivò nel momento perfetto.
Il progressive rock stava cercando di espandere i confini del rock tradizionale.
Le band volevano:
- più colori;
- più dinamica;
- più orchestrazione;
- più spazio.
La Solina offriva tutto questo in una forma relativamente semplice da trasportare e utilizzare.
Non sorprende quindi trovarla in moltissime produzioni dell’epoca.
Il suo timbro è diventato parte integrante dell’immaginario sonoro degli anni Settanta.
Solina contro Mellotron
I due strumenti vengono spesso confusi.
In realtà sono molto diversi.
Il Mellotron riproduce registrazioni reali di strumenti acustici tramite nastri magnetici.
La Solina genera elettronicamente il proprio suono.
Il Mellotron è più realistico.
La Solina è più astratta.
Il Mellotron cerca di imitare un’orchestra.
La Solina crea un paesaggio.
Ed è probabilmente questa la ragione per cui molti musicisti continuano ad amarla ancora oggi.
Perché è stata importante per me
Quando la Solina entrò nella mia stanza non la vissi come un nuovo strumento.
La vissi come una nuova funzione.
Fino a quel momento pensavo soprattutto in termini di esecuzione.
Pianoforte.
Organo.
Tecnica.
Accordi.
Linee melodiche.
La Solina spostò il mio sguardo.
Mi fece capire che il suono poteva diventare ambiente.
Che un accordo poteva trasformarsi in atmosfera.
Che una tastiera poteva servire non a suonare qualcosa, ma a costruire uno spazio dentro cui far vivere tutto il resto.
Oggi probabilmente parleremmo di layering, texture, sound design o orchestrazione timbrica.
All’epoca non usavo nessuna di queste parole.
Ma il concetto era già lì.
E, guardando indietro, credo che una parte importante del mio futuro musicale sia nata proprio sopra quell’organo Vox.
Letteralmente.
Perché la Solina stava sopra il Vox.
E da quella posizione privilegiata iniziò lentamente a cambiare il modo in cui pensavo la musica.
La Solina e gli effetti
La Solina aveva già nel proprio carattere sonoro un forte senso di movimento, soprattutto grazie all’effetto Ensemble interno. Ma molti tastieristi non si fermavano lì.
Spesso veniva trattata con effetti esterni:
- riverbero
- delay / eco
- phaser
- chorus
- flanger
- compressione leggera
- occasionalmente distorsione o overdrive molto controllato
Il motivo era semplice: la Solina non era usata solo per “imitare gli archi”, ma per creare spazio. Con un riverbero ampio diventava quasi orchestrale; con un phaser o un flanger entrava in territori psichedelici; con un delay leggero poteva trasformarsi in un tappeto pulsante, sospeso, quasi elettronico.
In questo senso, la Solina era spesso meno “strumento” e più materia sonora da trattare.
Ed è proprio questa la cosa che mi colpì: non bastava premere un accordo. Bisognava decidere dove metterlo nello spazio.
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